Caravage : optique et autres questions
Parcourant le texte objectif (et convenu, en comparaison des embrasements de Yannick Haenel) de Sebastian Schütze dans le volume consacré à l'œuvre complet de Caravage (Taschen, Bibliotheca Universalis), on s'arrête (p. 107) sur quelques mots à propos des techniques qu'aurait utilisées le peintre :
"Pour
étudier le relief, le modelé puissant en clair-obscur de ses
personnages, Caravage plaçait ses modèles dans une pièce obscure dotée
d'une source unique de lumière, semblable à un phare. Mancini
décrit déjà cette pratique. En outre, David Hockney (2006), surtout, a
postulé que Caravage aurait utilisé des instruments optiques, par
exemple un miroir et une chambre noire, pour transposer les figures sur
la toile. Baglione
décrit quelques figures en buste des débuts que Caravage aurait
représentées à l'aide d'un miroir mais il est difficile de dire si cela
se rapporte à l'utilisation traditionnelle du miroir pour étudier sa
propre physionomie ou si cela implique plus généralement l'utilisation
d'images réfléchies. En tout cas, un inventaire des biens domestiques de
Caravage établi en 1605 ne mentionne qu'un grand miroir et un second en
forme d'écu. Les observations fascinantes de David Hockney, qui
reposent sur des expériences optiques et des comparaisons entre
différentes peintures de la Renaissance et du Baroque, ne peuvent être
jusqu'ici vraiment étayées dans le cas de Caravage par des documents
d'époque. Roberta Lapucci (2009) a même envisagé dernièrement
l'utilisation d'un procédé quasi photographique, le peintre utilisant
une préparation à base d'éléments chimiques photosensibles pour fixer
l'image projetée ainsi sur la toile."
C'est le commentaire d'un historien d'art prudent. Investigations.
Concernant David Hockney, le livre qui expose les "Savoirs secrets : les techniques perdues des maîtres anciens" (Éditions du Seuil, 1 et 2, anglais) où le britannique expose
de manière didactique les procédés optiques (lentilles et miroirs)
auxquels auraient eu recours les Primitifs flamands et d'autres, tel
Caravage, l'on est séduit mais dubitatif, Hockney ne multiplie-t-il pas à
l'envi les anomalies qui appuient ses thèses, perdant son sens critique
? On peut lire une controverse sur ces travaux qui replace l'essentiel de la peinture dans le génie artistique – "rendre visible l'invisible" – et non dans les techniques de réalisation.
L'historienne italienne d'art Roberta Lapucci creuse chez Caravage la voie des procédés optiques mais aussi chimiques (poudre photoluminescente de lucioles concassées, etc.). L'on trouve quelques publications officielles (non traduites en français) sur son site. Voir aussi ce condensé et une controverse de david G. Stork. Un très sérieux "Painted Optics Symposium" s'est déroulé à Florence en 2008. Ces conjectures ne peuvent être considérées comme tempête dans un verre d'eau.
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| Nombreux gauchers dus à des images inversées par lentilles ? L'utilisation d'instruments optiques par les artistes risquait, à l'époque, de les voir taxer de sorcellerie. |
Plusieurs tableaux du peintre italien (les "Bacchus", "Le joueur de Luth", "L'amour victorieux")
ont une connotation érotique homosexuelle. Natacha Aprile, historienne
d'art spécialiste des questions de genre (Sorbonne), reprend cet aspect
dans Vie et œuvre de l'artiste, entre fantasmes et réalités et apporte des éléments biographiques précis permettant d'évaluer l'entourage homophile du Caravage. Elle émet une conclusion sur la difficulté d'analyser les œuvres d'art en dehors des normes morales et dans leurs aspects les plus dérangeants : "[...] Ne
peut-on pas voir dans la persistance à nier l’impact de la sexualité
dans la production artistique le dernier élan moribond d’une perception
uniquement patriarcale et hétérosexuelle de la société ?"
Enfin, une interrogation personnelle : dans certains tableaux ("Judith et Holopherne", "La Méduse", "La décollation de saint Jean-Baptiste"),
la représentation des jets de sang par Caravage est particulièrement
maladroite, comment l'expliquer au regard du réalisme du reste, visages,
chairs et vêtements ? Peut-être la réponse tient-elle dans notre œil exigeant, familiarisé au techniques modernes de visualisation, avec arrêts sur image et ralentis ?
Dans la décapitation d'Holopherne chez Artemisia Lomi Gentileschi (1593-1656), ces détails semblent toutefois plus justes. Notons que cette remarquable artiste de l'école caravagesque, qui devint peintre de cour au 17e siècle, figure aux côtés des grands peintres baroques.
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| Autoportrait - Artemisia Gentileschi (1593-1656) |